Radar 2010: Sólida propuesta de vanguardia.



Radar es el espacio de exploración sonora del ‘fmx Festival de México’, este último tiene 26 años de vida y comprende, además de música, otras expresiones como las artes plásticas, ópera, teatro, cine, danza y arte electrónico, entre otras.
Radar se realiza desde hace 9 años consecutivos en Ciudad de México cuyo propósito es exponer artistas y grupos que van desde lo contemporáneo, rock, jazz, electrónica y arte sonoro.
Radar se realizó en distintos recintos y salas en su mayoría localizados en el Centro Histórico, mostrando de este modo el valioso patrimonio arquitectónico del DF, junto a propuestas musicales arriesgadas que se presentaron entre el 12 y el 21 de marzo 2010.
El suscrito se permite dar cuenta de algunas de las actividades en Radar, cuyo nombre es sinónimo de vanguardia, con propuestas novedosas que irán marcando tendencias.
Más info. en
www.radar.org.mx y http://festivalradar.blogspot.com

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Jueves 18 de marzo 2010

Eva Zöllner se presentó en el marco del segundo ciclo dedicado al extinto compositor argentino Mauricio Kagel, en el magnífico Anfiteatro Simón Bolívar, un edificio de estilo neocolonial que se construyó en el siglo XVIII y que es Patrimonio Cultural de la Humanidad. 
En este prominente escenario la alemana que se ha desarrollado en el campo de la música contemporánea, tocó varias piezas de Kagel y de los compositores mexicanos Rodrigo Sigal, Ana Lara y del germano Gordon Kampe. Asimismo se presentó junto a Alexander Bruck y Juan José Bárcenas.
La acordeonista comienza en solitario su presentación detrás de un biombo negro y ejecuta diversos instrumentos de viento, dejando espacios de silencio y ninguna pista de lo que estaba tocando. Luego Zöllner -sin biombo- realizó improvisaciones utilizando objetos diversos como trompeta de juguete, tubos, pitos y otros elementos, generando un cuadro abstracto y entregando una mayor amplitud con matices electroacústicos.
En otras composiciones cuyos autores no logro distinguir, Zöllner con su acordeón y su amplio diafragma, saca sonidos casi imperceptibles, así como fuertes ráfagas, gesticulando cada movimiento como también quedando por momentos impertérrita.
En la última parte del concierto se unen Alexander Bruck en viola y Juan José Bárcenas en electrónica, mostrando un nuevo matiz, cuya mixtura arroja interesantes resultados.  
www.eva-zoellner.de

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Viernes 19 de marzo 2010

Abrió Jorge Haro uno de los exponentes de renombre de la música experimental argentina, quien presentó sus propias composiciones y visuales en la vertiente de la electrónica minimalista.
Armado de un laptop comenzó con sonidos muy sutiles que van in crescendo en tanto las imágenes ofrecen -en tiempo real- figuras abstractas de formas geométricas que van al unísono con la música. El espacio se expande y el silencio juega un rol relevante. Por momentos se perciben ritmos más pronunciados pero no contundentes. Luego presenta tres temas cuyas imágenes muestran paisajes urbanos de Barcelona, Huelva y Lisboa. Se aprecian juegos de fotografías que se repiten como un loop. En general el sonido es limpio con algunos atisbos de ruido controlado.
www.jorgeharo.com.ar

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Luego vino la presentación del alemán Burkhard Stangl en guitarra acústica y eléctrica y la mexicana Angélica Castelló en flauta de pico y dispositivos electrónicos quienes presentaron improvisaciones electroacústicas y electrónicas.
Las texturas que aportó Castelló se basaron en objetos diversos como tubos de madera, silbatos, cuerdas, así como su propia voz y por cierto la peculiar flauta de pico, todo ello procesado. En tanto Stangl juega con los acordes de guitarra clásica y eléctrica, ello mezclado con sonidos generados por computador, lo que conforma una mezcla exquisita; donde lo orgánico y sintético construye texturas con diversas capas de ruido.
En todo momento Angélica y Burkhard mantienen una tensión en un ambiente expectante frente a las dinámicas y registros que proporcionaban con su arsenal de objetos e instrumentos.
www.myspace.com/angelicacastello y www.myspace.com/stanglkling

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El emblemático Tony Conrad, iniciador del movimiento de la música experimental en Estados Unidos, usó su humor para contarle al público presente - en cantidad unas 500 personas - que tenía problemas con la amplificación de su violín.
El drone de violín de fondo le acompañó en todo el viaje al que nos invitó este cineasta, músico, compositor, videasta y escritor.
Tuvo distintos momentos este periplo que se matizaban con los pedales utilizados por Conrad que en algunos casos dejaba entrever pasajes más limpios del violín y otros fuertemente procesados que formaban distintas capas. Me recordó el álbum “Outside the Dream Syndicate” que hiciera en los ’70 con los alemanes Faust.
Al final del concierto sentenció con una sonrisa “Minimalism…”, como si se tratara de un maestro -que lo es- enseñándoles a sus pupilos, que lo que acababan de escuchar era minimalismo.
http://tonyconrad.net

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Finalmente se presentó Cellule d'Intervention Metamkine, un proyecto de dos cineastas y un músico: los franceses Christophe Auger, Xavier Quérel y Jérôme Noetinger, quienes presentaron un trabajo multimedia, realizando ediciones en tiempo real de imágenes y sonido.
El trío se valía de un arsenal de instrumentos, objetos y dispositivos como cintas de reel, grabadora de casete, moog, laptops y micrófonos de contacto, entre otros.
La maestría de este grupo demostraba que la sincronización de las imágenes con el sonido era perfecta, lo cual formaba un paisaje sonoro convulso y fotografías abstractas como aquellas que mostraba unas gaviotas entremedio del caos, llenando así todo el espacio que disponía el Patio de la Antigua Escuela de Medicina, en el Centro Histórico.
http://metamkine.free.fr

Sábado 20 de marzo 2010

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Las presentaciones de carácter más ‘masivo’ se realizaron en el Lunario, una magnífica y moderna sala de conciertos para unas 1.000 personas, que forma parte del grandilocuente Auditorio Nacional.
Abren los mexicanos Fat Mariachi que ofrecen una curiosa mezcla de rock electrónico y performance. Esta última, es la que no logró a mi juicio encajar en la faceta experimental del grupo. Creo que la cantante invitada intentaba infructuosamente de convocar a los parroquianos, pero no consiguió entusiasmar a un público expectante por ver los platos fuertes de la jornada: los japoneses KK Null y Boredoms.
www.myspace.com/fatmariachi

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Efectivamente, llegó el momento de Kazuyuki Kishinoaka KK Null, creador de Zeni Geva, quien ofreció atmósferas con punzantes beats rayando en lo industrial y con los característicos sonidos abstractos de sinte análogo.
KK Null también apabulló con fuertes ráfagas de ruido al borde de la saturación y a altísimos decibeles que hacía aconsejable protegerse los oídos.
www.kknull.com

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El broche de oro lo puso Boredoms quienes liderado por Yamantaka Eye en teclados y el Sevena, que incluye siete guitarras Telecaster en una, un guitarrista y cuatro bateros.
El tinglado montado en el escenario ofrecía una apabullante amalgama sonora de ribetes de rock psicodélico de magnífica factura.
Extraordinaria y sorpresiva fue la irrupción de un de los bateros que se paseó en una plataforma móvil entre los parroquianos hasta llegar a puerto: el escenario, mostrando al respetable una sesión de percusión que gozaba de toda sincronización.
Yamantaka tanto arremetía con fuertes golpes a la parrilla de guitarras, produciendo potentes riffs como suaves acordes, dando espacio a las melodías y a los ambientes más plácidos.
Eye con su voz fuerte y al borde del delirio, lidera los distintos momentos poniéndole quiebres, intensidad, sosiego, caos, todo… haciendo de esa noche algo memorable.
www.boredoms.jp

Vayan mis más sinceros agradecimientos a Rogelo Sosa, Director de Radar, por su valioso apoyo.
La mayoría de las fotos fueron obtenidas del blog oficial de Radar, a excepción de KK Null y Boredoms que son del suscrito.

Guillermo Escudero
Sábado 3 de abril de 2010

 

 

ATOM HEART INTERVIEW

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Finales de los ’80, desde la ciudad de Frankfurt, Uwe Schmidt inicia su larga travesía musical participando en distintos proyectos, dentro de los cuales Lassigue Bendthaus [techno-industrial] se convierte en una de sus primeras producciones editadas. Conocido por su alias Atom Heart, Schmidt es parte de la escena techno de Frankfurt y trabaja con Resistance D, Pete Namlook y en el proyecto Ongaku. En aquella época Schmidt tocaría con su amigo Martin Schopf, un chileno radicado en Alemania que más tarde comenzaría a trabajar junto a Pink Elln y formaría Sieg Über Die Sonne y en solitario se haría llamar Dandy Jack.
A principios de los ’90, Uwe forma junto al japonés Tetsu Inoue Datacide, e incursiona en los sonidos latinos con Lisa Carbon Trio. También realiza varias colaboraciones con Haruomi Hosono [exYellow Magic Orchestra], Bill Laswell y Lars Müller [Víctor Sol], entre otros. Por aquel entonces funda su sello Rather Interesting para editar su música y así independizarse de las imposiciones de los sellos multinacionales.
Vendría a Chile entre el 95 y el 96 con Schopf y Pink Elln. En 1997, se radica en Chile y nace Señor Coconut [“El Gran Baile”, Akashik/Multicolor], produciendo curiosidad en el medio de la música electrónica. Ese mismo año se reúne en Santiago con Burnt Friedmann, a quien había conocido un año atrás en Colonia y producen en Santiago el primer disco de Flanger que sale por el sello N-Tone.
Ya estamos en el 2000 y emerge con el nuevo alias Geez ‘N’ Gosh en su forma de glitch techno para el sello Mille Plateaux  [ya tiene dos discos editados]; otro nuevo disco produce con Flanger y surge la deconstrucción de temas de Kraftwerk bajo el ritmo latino en “El Baile Alemán”, segundo disco del Señor Coconut.
Atom Heart sin duda que es un referente dentro de la música electrónica actual. Quedaremos atentos entonces a sus próximas entregas, las que según él, sólo quiso anticipar que “serán buenas…”

¿Estás trabajando en un nuevo proyecto de Sr. Coconut? No necesariamente debemos esperar un sonido latino, o el señor Coconut “pertenece” a esta parte del mundo?

“Definitivamente será “latino”. Señor Coconut se apoya en la “fusión” de música latina con elementos “artificiales”.

Si el techno fue un sonido importante a principios de los ’90, ¿qué músicos son en tu opinión los que están en la vanguardia?

“Los artistas actuales… favoritos… por el momento todavía son Haruomi Hosono [ex-Yellow Magic Orchestra], Towa Tei [exDeee-Lite] y YukihiroTakahashi [exYMO]”.

Tu producción musical es muy prolífica con más de 200 discos… Debe ser un trabajo difícil sacar tal cantidad de ideas musicales, incluso teniendo varios seudónimos. ¿Estás de acuerdo?

“No, no creo. La cantidad no es un problema ni tampoco una dificultad. El proceso artístico [la creación en sí misma] puede ser problemático, pero ello es independiente de la cantidad de ideas que tengas. Incluso pienso que en la medida que tengas más ideas y proyectos paralelos, estás menos estresado en el caso de que ciertas cosas no te “fluyan” realmente. Yo puedo fácilmente cambiar los proyectos y las ideas y ser productivo de esta forma… siempre…”


Creo que “Micro_Mutek” es el más serio festival que se ha llevado a cabo en Chile en los años recientes, respecto del cartel de músicos, el diseño del sonido y la producción [locación, organización y promoción]. En relación a este evento, los promotores chilenos podrían aprender de cómo deberían hacerse las cosas. Ya que tocaste en este evento, ¿cómo fue tu experiencia?

“Me gustó mucho la organización así como su “enfoque” artístico que fue bien pensado [excepto por Miss Kittin, que aburre…] y esto dio como resultado un evento bien hecho. Fundamentalmente una buena audiencia hace que el concierto o fiesta sea buena. Muchos promotores/organizadores no quieren ver esta parte. Recientemente he experimentado en Santiago muchas fiestas malas. Éstas son malas principalmente por la audiencia. En estos días, donde incluso en Chile la música electrónica es popular, [la mediocridad llegó], los promotores tienden a vender sus fiestas a marcas [cigarrillos, alcohol, etc…]. Esto no es malo per se, pero se convierte en algo bastante malo cuando la marca convoca un cierto tipo de gente, o bien la fiesta está promocionada en una determinada escena, que no necesariamente tiene que ver con la música. Así es cuando se pone de “moda” y aburrido. “Micro_Mutek” también tenía bastantes auspiciadores, pero las marcas y las compañías nunca se impusieron”.

Supongo que a ti te gusta tener ciertas condiciones para tocar en vivo, dado que me imagino que tu no eres el tipo de persona que le guste tocar a menudo. ¿Qué aspectos tu consideras?

“A parte del hecho que debo confiar en los promotores, Debo tener cierta sintonía con el evento… Tiene que sentirse “bien”. Segundo, esta vez decidí tocar porque quería tocar con Dandy Jack y Ricardo [Villalobos], lo que me divierte mucho hacer. Esta vez en realidad, esta razón era la principal. Nosotros tocamos en el festival “Mutek” [que se celebra a finales de mayo en Canadá] el año pasado y fueron cinco horas de improvisación en vivo, la que tuvo cierto impacto en la audiencia, en el promotor y en nosotros. Esta es una nueva forma de tocar música electrónica en vivo y me interesé en investigar esto un poco más…”   

Texto Guillermo Escudero
2003

Are you working in a new project for Sr. Coconut? Not necessarily should we expect a Latin sound, or Señor Coconut "belongs" to this part of the world?

“It will definitely be "Latin". Señor coconut stands for the "fusion" of Latin music with "artificial" elements”.

Techno was an important sound of the early 90's, which artists are in your opinion the ones they are in the cutting edge”.

“Current artists... favourites of the moment are still Haruomi Hosono [ex-Yellow magic Orchestra], Towa Tei and Takahashi...?”
Your musical production is very prolific with more than 200 records... It must be a very hard work to put out such amount of musical ideas even if you hold several aliases. Do you agree?
“No, I don't think so. The quantity is not a problem or a difficulty. The artistic process [creation itself] can be problematic, but this is independent from the amount of ideas you have. I even think that the more ideas and parallel projects you have, the less stressed you are in case certain things don't really "flow". I can easily switch projects and ideas and be productive this way... always...”

I think "Micro_Mutek" maybe its the more serious festival that have taken place in Chile in the recent years, in terms of the line-up, sound design and production [location, organization, promotion]. In relation with this the Chilean promoters could learn how things must be done. As you played in this event how it was your experience?

“I liked it very much organization as well as artistic "focus" had been well-thought (except for Miss Kittin, which bored...) and this resulted in a well-done event. Basically a good audience is making a good concert or party. Many promoters/organizers don't want to see that part. I have experienced a lot of very bad parties in Santiago recently. They were bad, mainly because of the audience. Nowadays, since electronic music is mainstream, even in Chile (mediocricity has arrived), promoters tend to sell their parties to brands [cigarettes, alcohol, etc...]. This is not bad per se, but rather becomes bad, when the brand attracts a certain crowd, or the party is promoted in a certain scene, which not necessarily have anything to do with the music. This is when it becomes "trendy" and boring. "Micro Mutek" had lots of sponsoring too, but the brands and companies never took over”.

I guess you like to have certain conditions in order to play live, since I imagine you are not the sort of guy who likes to play often. Which are the aspect you considered?

“Besides the fact that I have to trust the promoters, I have to have a certain feeling with an event... it has to feel "right". Second, this time I decided to play, because I wanted to play with Dandy Jack and Ricardo [Villalobos], which is always great fun to do. Actually, this time it was the main reason. We played "Mutek" in Montreal last year, a 5 hour live improvisation, which had a certain impact on the audience, the promoter and us. It is a new kind of electronic music performed live, and I was interested in investigating it a bit further...”

Please let us know which kind of musical ideas you would like to develop in the near future.

“Good ones”.

Text Guillermo Escudero
2003

Plastikman interview

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Richie Hawtin, conocido también como Plastikman es ya un icono dentro de la música techno a la que ha aportado con discos tan importantes como “Sheet One” [1993] y “Consume” [1998] e influenciado a una camada minimalista como Thomas Brinkmann, Mike Inc., entre otros. Hawtin es además un célebre DJ que ha recorrido el mundo e incluso nuestra Isla de Pascua -aunque no para tocar precisamente- para disfrutar de sus alucinantes parajes.


En tu set de anoche me pareció que estabas mostrando tu siguiente álbum.

“Gran parte de lo que toqué anoche era nuevo. La última parte fueron acetatos [que son unos discos especiales que sólo se pueden tocar cinco o seis veces, con una sola copia]. Te los hacen especialmente; tengo unos cinco o seis, en los cuales toco mi nueva música”.

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Pablo Reche Interview

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Pablo Reche posee una interesante producción discográfica que ha sido editada en sellos de España, Bélgica, Puerto Rico y por supuesto en la Argentina. Nuestro protagonista es un fiel seguidor de los setenta y con especial énfasis en la corriente alemana krautrock y más tarde en los sonidos post-industriales. Reche ha participado en Sónar 2000 y en LEM, [ambos de la Ciudad Condal] y en otros eventos, tales como “Fuga Jurásica” de Buenos Aires que este año también contempla su participación. Su más reciente disco “Paisajes” [Aerodiscos, 2003] da cuenta de un sonido denso, en el que tanto se presentan los silencios como aquellos amurallados - con especial énfasis en la reverberancia y los bajos - cubierto de texturas y registros de campo. Puedes visitar su página en www.geocities.com/pabloreche

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Growing Interview

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Growing es una banda de tuvo sus orígenes en 1000 AD y BMWMDM, ambas integradas por Joe DeNardo y Kevin Doria. La primera sólo se componía de guitarras y la segunda era tipo soft-core con canciones aletargadas. Ahora las guitarras cobran gran fuerza y estruendo, llenando los espacios de ruido, al tiempo que también hay momentos de espera e incluso de silencio, calma e introspección. Growing acaba de editar su “The Sky’s Run Into The Sea” [agosto, 2003] por el sello Kranky. G

Growing is a band whose origins are 1000 AD and BMWMDM, both integrated by Joe DeNardo and Kevin Doria. The first one was only made up of guitars and second it was soft-Core type with lethargic songs. Now the guitars receive great force and roar, filling the noise spaces, to the time that also are moments of delay and even of silence, calm and introspection. Growing just released its debut album on Kranky “The Sky’s Run Into The Is” [August 25, 2003]. Please check out Kranky in our label’s links.

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